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Se realizó el conversatorio “El artista y sus Procesos Creativos” en la Galería de Arte Nacional

Prensa MPPC (04/06/2024).- “El Artista y sus Procesos Creativos” se tituló la charla que en el marco de la exposición AZUL, realizada en la Galería de Arte Nacional, ofreció el maestro Alexis De La Sierra, Premio Nacional Artes del Fuego 1986, Medalla de Oro Bienal Internacional de las Artes Contemporáneas de Florencia, Italia (2001), Premio Nacional de las Artes 2023 CIANE (UCV, UDO, UNIMAR) entre otros numerosos reconocimentos, e Ion Pervilhac, curador de su obra y mánager del artista desde 1979.

Un viaje hacia nuestras propias profundidades, la sabiduría y la motivación signaron esta charla que inició Pervilhac, quien desde hace 47 años cuida, atesora y presenta al público la obra de este creador pluridisciplinario en orfebrería, escultura y arte digital.

Su discurso enfatizó la esencia misma de ser artista: “es tener imaginación, buscar dentro de sí mismo y dejar brotar lo que se siente. Es cultivar los 5 Sentidos. Es el ejercicio de la curiosidad permanente para luego… dar el clic”.

El conversatorio presentó una perfecta simbiosis entre @alexisdelasierra y la comunidad de fotógrafos @sercaraquenos y un nutrido público.

La anécdota sobre el maestro De La Sierra fotografiando una hormiga en su jardín, floreció para explicar que “todos los sentidos deben estar despiertos y junto al talento constituyen el crisol del arte”. Agregó que existe un proceso creativo extenso entre esa foto de la hormiga para llegar al arte.

“El arte es la expresión de lo que sientes. Es vital saber buscar y encontrar la luz”, añadió.

Reiteró que es necesario estar despierto en el momento crítico y cultivar la curiosidad permanentemente. Indicó que la creatividad está dentro de nosotros, pero a la vez es menester cultivar la investigación.

La charla del maestro De La Sierra paseó al público por varias aristas tanto cognitivas como vivenciales. Entre ellas estableció diferencias conceptuales, habló de su proceso creativo polímata, explicó sobre técnicas y materiales y sobre todo fue aleccionadora y motivadora para que los creadores no desfallezcan nunca en su propósito de lograr cristalizar sus sueños.

Ilustró muchos de estos episodios, a través de la afectuosa relación con sus padres y hermanos.

En lo que refiere a sus procesos creativos, indicó que eran distintos en cada uno de los  tres campos que profesa: la orfebrería, la escultura y la pintura (arte digital), por ser disímiles. Campos a los cuales ha de adjuntársele el campo de la docencia de las artes durante 35 años.

Sobre la orfebrería, dijo que como orfebre, él solía iniciar sus proyectos en esta disciplina, con una idea y durante su realización esta sufría variaciones notables. “Desde el proyecto de incubación del concepto, pasando por el proceso de ejecución hasta llegar al acabado final, siempre algo cambia…”.

Refirió la investigación inicial y tópicos específicos del proceso como los cortes, la pulitura y el uso de las piedras preciosas facetadas y cabujones, siempre cargadas de luz y los metales nobles como el oro y la plata, aunados a la incorporación de materiales experimentales.

Al llegar a este punto, estableció las diferencias en esta rama de la orfebrería. “La orfebrería es una disciplina que abarca muchas expresiones. La orfebrería puede ser ornamental, ceremonial, mágico-religiosa o épica, entre otros”. Añadió que si bien la joyería se trabaja tomando como referente la escala humana, en cambio la orfebrería trabaja todas las escalas “desde pequeños objetos como yuntas, brazaletes, collares y condecoraciones, hasta objetos mayores como cálices, candelabros, altares, cubierteria, hasta las aldabas de las puertas que nos convidan a entrar en grandiosas catedrales”.

Refiriendose a la escultura, ahondó sobre las técnicas y materiales de un proceso que parte de un modelo positivo de arcilla y finaliza en un complejo proceso de molde negativo y vaciado de metal colado o fundición.

En resumen, conversó sobre el proceso aditivo del modelado, así como la importancia de preservar la humedad del material durante el mismo, para evitar el resquebrajamiento de la arcilla durante el modelado, para su posterior vaciado, previa la elaboración de los moldes positivos y negativos. También hizo referencia al proceso substractivo de la talla de materiales como la madera, el marmol y el granito.
La inspiración, la figuración y la abstracción, formaron parte de los tópicos tratados.

Su devenir en la pintura digital desde 1988 fué otro aspecto  abarcado por este pionero de las artes digitales. Dijo que tuvo su simiente se basó en el potencial que le vió a las computadoras en los 80’s, que “la idea inicial fué diseñar mis esculturas y piezas de orfebrería desde un ordenador, pero muy pronto rápido se me se abrieron amplios horizontes hacia la nueva expresión bi-dimensional a través de la cibernética”.

“Uno no se puede cerrar a los avances de la tecnología. Hay que aprender del pasado, vivir el presente y proyectarse hacia el futuro”.

Finalizó la cita hablando de la importancia de hacerle caso al propio intelecto e instinto; de trazarse un norte; de crear según el sentir de uno mismo y al propio ritmo de su sentir; con organización, investigación, planificación por los mejores caminos hacia la ejecución de una idea u objetivo; sin escatimar en esfuerzos, mucho trabajo, energía, y fé en uno mismo. “El arte es sublime… hay que respetarlo”, resaltó.

 

T y F: Prensa Fundación Museos Nacionales.

 

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